Author: Laura Cull Ó Maoilearca
Editor: Cornelieke van Voskuijlen
Author: Laura Cull Ó Maoilearca
How to think from human entanglement in nonhuman life rather than from an assumption of separation and exception? How to put a non-universalizing, dehumanist ethics of knowledge into practice? How to practice a politics of knowledge in relation to nonhuman animals, built on the principle of differential continuity or kinship in difference rather than the logic of analogy that is the shared logic of anthropocentrism and other oppressive modes of thought? This paper addresses the performative politics of knowledge at work in relation to concepts of politics, performance and animality and the emergence of interspecies performance as an ethico-political practice with reference to the work of Julietta Singh, Eva Meijer, Una Chaudhuri and Black vegan scholarship.
Author: Laura Cull Ó Maoilearca
Editor: Cornelieke van Voskuijlen
Laura Cull Ó Maoilearca, Mario Lopes, Tom Oliver Jacobson and Flavia Pinheiro (2022)
South Boom Boom is an attempt to survive in apnea, a continuous labor, a possibility to re-imagine the world, a way to escape captivity, to draw fugitive lines, to resist, to fight and fly, to conceive resistances, to migrate, to reinvent a catastrophe, to deform the shapes of oppression across time.
SOUTH BOOM BOOM was published in a special section of Performance Philosophy Journal Vol. 7 No. 2 (2022) with contributions from non-Europese Economische Ruimte (EER) students who study at the ATD and directly experience financial and political inequalities while studying in Europe because they come from the Global South.
This magazine aims to function as an anticolonial statement expressed from that absurd position of studying and living here as someone who both has to pay the highest tuition fee while being considered as “poor and underdeveloped”. The SOUTH BOOM BOOM project included performative conferences, which aimed to discuss the importance of dissident invisibility in art and education to explore how institutions can articulate and enact an anti-racist and anti-colonial agenda.
SOUTH BOOM BOOM was edited by Mario Lopes, Tom Oliver Jacobson, and Flavia Pinheiro and includes texts, essays and poems submitted by students and alumni of DAS Graduated School along with invited artists including Ana Lira, Rodrigo Batista, Paula Montecinos Oliva, Isis Andreatta, and Carolina Bianchi.
This publication is made possible through the support of Laura Cull Ó Maoilearca and funding from DAS Research, the Academy of Theatre & Dance, Amsterdam, and Medezeggenschap Quality agreements, Participation Council of the ATD and Platform 2025.
Authors: Laura Cull Ó Maoilearca, Mario Lopes, Tom Oliver Jacobson and Flavia Pinheiro
Editor: Cornelieke van Voskuijlen
Link to website
Laura Cull Ó Maoilearca (2022)
This issue poses, once more, the centuries-old question: “What is art?” and invited respondents to answer this question either from the perspective of the “creator” or the “recipient” of art. We were invited to answer a question about “the essence of art”, and to specify the position from which we write in terms of this creator-recipient duality. Conventionally and controversially for some of us, providing essential defini-tions of art (as well as normative evaluations and ontologies of art) has been a task that the Western philosophy of art has assumed for itself. Philosophy has conceived its task as defining the properties which can and cannot be assigned to art as a phenomenon in ways that some have critiqued as an authoritarian gesture.1 The project of this journal issue invites other voices into this definitional practice: gathering a “variety of responses from very different people who interact with art in different ways”. This is a welcome gesture towards a greater inclusi-vity; to perform art’s philosophy otherwise. However, my starting point is to speculate towards a further extension or mutation of this gesture. My starting point is the provocation—both playful and serious—that we need to invite nonhuman animals into this questioning too. We, human animals, need to find ways to ask nonhuman animals what art is or, better, what art might become. “What happens to standard human definitions of art when nonhuman animals are the creators and recipients, artists and au-diences?”
Cull Ó Maoilearca, Laura (2022) ‘How Do Nonhuman Animals Make Art? Art as a Practice of Interspecies Questioning’, edited by Anna Kawalec, Annals of Cultural Studies: What is Art? Horizons of Creator and Recipient, Vol 13 No 4 (2022), pp. 59-64
Author: Prof. Dr. Laura Cull Ó Maoilearca (2022)
Editor: Cornelieke van Voskuijlen
Als Kleintjekunstenaar verzorgt Alexandra Loembé in Amsterdam dansperformances voor baby’s, peuters en kleuters. In dit artikel reflecteert ze op wat er nodig is om ook jonge kinderen te boeien en mee te nemen in
een danservaring.
We take two seemingly disparate practices as the foci for this work—dance and prehistoric cave art—in order to illuminate commonalities in embodied practices that reveal new theoretical insights. Whereas, dance clearly uses temporal traces of the body to shape space and create meaning, cave drawings have also begun to be explained and interpreted through kinesthetic and embodied metaphorical techniques. A key element that these fields have in common is the role of lines. The study of lines has become its own field of research, largely due to Ingold's foundational work on “linealogy”. Considering the animate nature of lines and the kinesthetic response they have on the body, contemporary artistic practices can find parallels to the nature of ancient rock art if we recognize the similarity these fields share in the formation of and interpretation of meaning through movement and material engagement. Lines are a phenomenon that, when looked at as traces—memories of movement that once took place—become an organizing principle that brings distant fields like rock art and dance together. Thus, this article takes Tilley's suggestion that “a truly phenomenological study of imagery is grounded in the kinaesthetics of bodily movement” and applies it to three different artistic practices. Tilley proposes that an artifact may be ambiguous in its meaning because it relays a variety of information, which is often layered and contradictory. Here we see, in cognitive archeology, the idea that the articulation of ambiguous lines is an attempt to bring like-minded things (in the thoughts of the one drawing or dancing) together. The authors propose that the ambiguity of lines allows for a type of withness between the mind, body, and environment, allowing us to consider the mind as extended. Lastly, the nature of lines as extended mind motivate us to propose the term of “signature” in order to circumvent the dilemma of a static sign in regards to movement.
Editor: Cornelieke van Voskuijlen
Authors: Michael O'Connor and Alan Cienki
Credits banner: Wikimedia Commons
In dit proefschrift beschrijft Marijn de Langen de ontwikkeling van de moderne Nederlandse mime, die vanaf halverwege de jaren zestig van de twintigste eeuw gestalte kreeg. Onder invloed van de internationale succesfilm Les enfants du Paradis (Carné 1943) en een Nederlandse tournee van de Franse pantomimespeler Marcel Marceau in 1947, ontstond vanaf eind jaren veertig van de twintigste eeuw een heropleving van een al oudere traditie van pantomime in Nederland.
Een belangrijk ijkpunt in deze ontwikkeling was de oprichting van de Stichting Nederlandse Pantomime in 1952. Vanuit de kweekvijver van deze stichting ontwikkelde zich halverwege de jaren zestig van de vorige eeuw een moderne mimestroming, die radicaal brak met het traditionele idioom van pantomime.
Deze ontwikkeling stond onder directe invloed van de Franse mimevernieuwer Etienne Decroux. Decroux ontwikkelde vanaf de jaren dertig in Parijs mime corporel, een modernistische opvatting van mime die internationaal navolging kreeg. Nederlandse leerlingen van Decroux in de jaren vijftig en zestig, brachten mime corporel na hun studie in Parijs mee terug naar Nederland. Zij gaven vervolgens in hun eigen werk een eigenzinnige en anarchistische ‘twist’ aan zijn gedachtengoed. Daarmee legden ze de basis voor het ontstaan van de moderne Nederlandse mime, het onderzoeksobject van dit proefschrift.
Dit is een samenvatting van het proefschrift van Marijn de Langen. Interesse in het gehele onderzoek? Neem contact met De Langen via mimearchieven.nl.
Dit proefschrift identificeert en analyseert de belangrijkste creatieve protocollen in een translocale uitvoeringspraktijk, en eindigt met suggesties voor nieuwe vormen van transversaal live en gemedieerde uitvoeringspraktijk, onderlegd door theorie.
Auteur: Sher Doruff.
Dit proefschrift is in het Engels geschreven.
Het proefschrift stelt dat ontologieën van opkomst in dynamische systemen de hedendaagse praktijk in de digitale kunsten voeden. Feedback in zelf-georganiseerde, recursieve systemen en organismen lokken verandering uit en verandering transformeert. De argumenten volgen concepten van chaos en complexiteitstheorie tot virtuele veelheid, relationaliteit, intuïtie en individualisering (in het werk van Bergson, Deleuze, Guattari, Simondon, Massumi en andere procestheoretici).
Vervolgens worden de kruising van methodologieën in filosofie, wetenschap en kunst en de radicale onvoorziene gebeurtenissen onderzocht die impliciet zijn voor de techniciteit van realtime, samenwerkende compositie. Gelijktijdige krachten of neigingen zoals perceptie / geheugen, inhoud / expressie en instinct / intellect produceren composities (ervaring, betekenis, en intuïtie respectievelijk) die het gevoel van samenspel beïnvloeden.
De translocale gebeurtenis is zelf een diagram - een tussenruimte tussen de krachten van de lokale en het globale, tussen de tendensen van het individu en het collectief. Het translocale is een referentiepunt voor het verkennen van de verdeling van affectie, controleparameters en opkomende esthetiek. Translocaal samenspel, mogelijk gemaakt door digitale technologieën en netwerkprotocollen, is ontogenetisch en zelfregulerend; schematisch en synesthetisch; intuïtief en transductief.
KeyWorx is een softwareapplicatie ontwikkeld voor real-time, gedistribueerde, multimodale mediaverwerking. Als technologisch hulpmiddel gecreëerd door artiesten, ondersteunt KeyWorx dit intuïtieve type creatieve ervaring: een real-time, translocaal 'jammen' dat de ervaring van een 'biogram' overdraagt. De opkomende esthetiek is procesmatig - intuïtief, schematisch en transversaal.
RTRSRCH is een perodiek tijdschrift dat fungeert als open platform voor de thema's, processen en resultaten van een tiental artistieke onderzoekers uit verschillende disciplines die vanuit de lectoraten Kunstpraktijk en artistieke ontwikkeling en Kunsttheorie en onderzoek gezamenlijk de ARTI (Artistic Research, Theory and Innovation) groep vormen.
RTRSRCH bestaat uit vier edities, die soms weer verder onderverdeeld zijn. Hieronder volgt een indeling per editie. Alle edities zijn te downloaden via www.ahk.nl/onderzoek/artist-in-residence/publicaties/rtrsrch/
Volume 1
Volume 2
Volume 3
Volume 4